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東京藝大美術館長教你日本美術鑑賞術:一窺東洋美學堂奧的基礎入門
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  • 東京藝大美術館長教你日本美術鑑賞術:一窺東洋美學堂奧的基礎入門

  • 作者:秋元雄史(Yuji Akimoto)
  • 出版社:方舟文化
  • 出版日期:2020-05-06
  • 定價:450元
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內容簡介

蟬聯連鎖書店暢榜25週、榮登「2019 TOP 100」,萬眾矚目超強續作! 一窺東洋美學堂奧,全面剖析日本美術核心思維,讀這本就夠! ★日本最紅火藝術策展人秋元雄史,美術鑑賞代表作第二彈。 ★延續前作「一張圖兩步驟」解讀脈絡,無痛進入東洋美學世界。 ★全彩印刷,收錄25件名作,完整介紹繩文~明治以降的美術演進。 ★全面剖析東洋美學精神、日本美術如何影響西方繪畫。 日本美術才不只浮世繪!繪卷、水墨畫、屏風、絹畫都大有學問! 俗話說「西洋鍍金,東洋鍍銀」。 西方世界的強盛你一定不陌生,但同樣身為東方國家的日本, 是如何脫亞入歐,成為與歐美齊名的亞洲強國? 若想了解箇中緣由,從東洋美學談起,似乎是個不錯的切入點。 東洋美學的品味別樹一格,幽微、侘寂、陰翳中帶著俐落的灑脫, 不僅滲透到日本人的生活,甚至塑造了整個商業社會的氣質與面貌。 早從19世紀中期,第一幅「浮世繪」出現在巴黎世界博覽會上, 啟發印象派畫家的那一刻起,東洋美學就注定要在世界上占有一席之地。 時至今日,全世界對東洋美學的關注未曾退減。 不但漫畫、動畫、遊戲等日式藝術感受大行其道, 收藏家喬.普賴斯、現代管理學之父彼得.杜拉克,亦為日本美術愛好者。 話雖如此,實際上,一般人都和日本美術超不熟。 一來,鮮少有人知道日本哪位「大師」畫了哪件「名作」。(就很不紅) 二來,即使真的親見作品,你也很難說清楚厲害在哪。(就看不懂) 本書作者秋元雄史,現任日本最高藝術殿堂「東京藝術大學」美術館長, 他說:「大家都誤會了,日本美術其實比西洋美術還要好懂!」 秋元雄史以日本美術史演進為基礎,教你分析名作繪製技巧、創作背景, 更以25件作品為例,透過通俗但又精闢的圖文解說, 深入淺出地介紹繩文~明治以降的東洋美學變革。 ◎來自東京藝大美術館長的日本美術鑑賞術:一張圖兩步驟 步驟一/從作品表現鑑賞:看懂繪圖技巧、色彩與主題等。 步驟二/從歷史背景鑑賞:理解創作當時的社會與思想背景等。 有別於西洋美術以「革命」為核心;日本美術則重視「繼承」。 一位畫師或工匠師承何人,將會徹底影響其作品樣貌與風格, 並為後世代代繼承(例如室町~明治的狩野派,歷史超過400年), 此即東西美術之間的最大差異。 此外,日本美術之所以給人深奧難懂的印象,原因有三: 鮮少使用遠近法、多以大自然為主題、顏料與素材特殊。 所有的創作皆建立在「幻想」上,現實形狀不重要,畫出心象才關鍵。 有了這樣的認知,便能一口氣縮短與日本美術之間的距離。 ◎「館長陪讀」、「館長帶逛」,最實用的日本美術鑑賞基礎入門 ․東洋美學的三個關鍵字:空間連續性、微型、成對。 ․日本美術建立在「幻想」上,現實形狀不重要,畫出心象才關鍵。 ․館長獨創不藏私鑑賞法:留白之美、線條表現、主題的極端性。 ․特企展必看,但又不必過分拘泥國寶、重要文化財展,為什麼? ․翻閱畫冊、上網瀏覽都不夠,親炙真跡才是王道,館長帶你這樣逛。 東洋美學總讓人在「無意間」意識到其存在,不似西洋美術那般直接。 因為日本美術建立在「幻想」上——現實形狀不重要,畫出心象才關鍵。 一切可觸動心靈的事物,都能視為美,自然無須太過寫實。 越是了解日本美術,就越能真確地感受何謂美學, 進而影響你個人眼中的世界、如何參與外在世界、與他人產生互動, 最後更會擴及至一切的思想、看法和感受。 日本美術何以風靡全球、吸引知識分子熱烈追捧? 一窺東洋美學堂奧的基礎入門,就讀秋元雄史的日本美術鑑賞術。 【收錄作品一覽】 ․《源氏物語繪卷》作者不詳 ․《鳥獸人物戲畫》作者不詳 ․《信貴山緣起繪卷》作者不詳 ․《地獄草紙》作者不詳 ․《一遍聖繪》圓伊 ․《明惠上人樹上坐禪像》成忍 ․《瓢鮎圖》如拙 ․《天橋立圖》雪舟 ․《龍虎圖》雪村 ․《唐獅子圖屏風》狩野永德 ․《松林圖屏風》長谷川等伯 ․《紅白梅圖屏風》尾形光琳 ․《動植綵繪紫陽花雙雞圖》伊藤若冲 ․《犬兒圖》圓山應舉 ․《凍雲篩雪圖》浦上玉堂 ․《冨嶽三十六景神奈川沖浪裏》葛飾北齋 ․《夜櫻》橫山大觀 ․《序之舞》上村松園 推薦人 林平/臺北市立美術館長 徐繪珈/廣達文教基金會執行長 許尹齡/藝術創作者 陸蓉之/實踐大學創意產業博士班教授 蔡依橙/素養教育工作坊 核心講師 蔡南昇/平面設計師 謝佩霓/藝評家、策展人 簡秀枝/《典藏雜誌》社長 (按姓氏筆畫排列) 【網路人士推薦】 藝人郭彥甫             4Samantha IG限動 藝人小薰-黃瀞怡           火星童書地圖 沒有極限美術老師          吳東龍│東喜設計總監 藝術很有事             Uma's旅行風景畫畫課 漫遊藝術史             席時斌│當代藝術家 太陽臉               曲家瑞 得獎與推薦紀錄 蟬聯連鎖書店暢榜25週、榮登「2019 TOP 100」,萬眾矚目超強續作! 一窺東洋美學堂奧,全面剖析日本美術核心思維,讀這本就夠! 日本亞馬遜讀者五顆星推薦: ★★★★★成為鑑賞「輔助線」的一本 作者用淺顯的遣詞用字,解讀歷史上十分重要的作品, 教導鑑賞的「做法」。 這就是所謂在幾何學的問題,加上輔助線的感覺。 藉由輔助線的力量,重新檢視問題,找出之前沒有看到的部分, 之前看到的相同部分會突然變得鮮明,像是要跟自己說些什麼似的。 與其是因為了解而被偏見所束縛, 倒不如說是因為了解,而讓看到的世界變得更加自由且無邊無際。 第4章的「鑑賞法」是鑑賞最值得信賴的夥伴。 其中我最想優先實踐的是,「帶著當時的目標出門吧!」 (例如,比較「線條」的描繪方式) 看完這本書之後,我決定「在自己喜歡的作品面前,站上一分鐘」。 這是本會讓我期待下次看展的一本書。 ★★★★★徹底改變日本美術的看法 渴望讓讀者了解日本美術的作者, 用平易近人的字句,細膩闡述日本美術的基礎知識。 流利、順暢的絕佳編排和簡潔的文章。 即便缺乏知識,仍可藉由豐富的提問,輕鬆閱讀到最後。 等我回過神來,才發現自己對日本美術的看法似乎稍微有了些改變。 ★★★★★驚人的地方就在於淺顯易懂 這本書最驚人的地方就在於淺顯易懂。 不論是編排或是文章,總之就是容易閱讀。 這本書的另一個特徵是驚人的延伸討論。 如果要設計美術謎題的話,這本書應該可以編列出100個問題。 若是喜歡累積知識的人,或許可以透過這本書成為日本美術通。 本書特色 日本美術何以風靡全球、吸引知識分子熱烈追捧? 一窺東洋美學堂奧的基礎入門,就讀秋元雄史的日本美術鑑賞術。 ★日本最紅火藝術策展人秋元雄史,美術鑑賞代表作第二彈。 ★延續前作「一張圖兩步驟」解讀脈絡,無痛進入東洋美學世界。 ★全彩印刷,收錄25件名作,完整介紹繩文~明治以降的美術演進。 ★全面剖析東洋美學精神、日本美術如何影響西方繪畫。

目錄

【目錄】 推薦序 美的傳承——他鄉之石/陸蓉之 臺灣版序 透過知性涵養,成為世界級人才 前言 讀懂日本美術,改變觀看世界的方式 第一章 知識分子熱烈追捧,日本美術的醍醐味   ● 日本美術其實比西洋美術還好懂? 沒人知道「有誰」畫了「哪件作品」 日本美術的核心是「繼承」 繼承之餘,更在外在文化影響下持續進化 日本美術比西洋美術更淺顯易懂?   ● 為什麼大家都覺得日本美術很深奧? 不同於西洋美術的三大特徵 ①鮮少使用遠近法 ②多以大自然為主題 ③顏料和素材特殊 越了解三大特徵,越能縮短與日本美術的距離   ● 你一定愛讀的極簡日本美術史 繩文~彌生~古墳時代──日本美學的原點 飛鳥~奈良~平安時代──從佛教美術到國風文化 鎌倉與南北朝時代──現實主義的抬頭 室町時代──禪的美術與近代美術的濫觴 桃山時代──破格且豪壯華麗的藝術巔峰 江戶時代──轉趨沉穩並呈現豐富的個性 明治以降──日本之美的探索與海外再發現 第二章 從日本美術史的演進培育知性涵養 ——從平安時代後期到室町時代   ● 平安時代後期 《源氏物語繪卷》──作者不詳 《鳥獸人物戲畫》──作者不詳 《信貴山緣起繪卷》──作者不詳   ● 鎌倉與南北朝時代 《地獄草紙》──作者不詳 《一遍聖繪》──圓伊 《明惠上人樹上坐禪像》──成忍   ● 室町時代 《瓢鮎圖》──如拙 《天橋立圖》──雪舟 《龍虎圖》──雪村 第三章 從日本美術史的演進培育知性涵養 ——從桃山時代到明治以降   ● 桃山時代 《唐獅子圖屏風》──狩野永德 《松林圖屏風》──長谷川等伯   ● 江戶時代中期 《紅白梅圖屏風》──尾形光琳 《動植綵繪 紫陽花雙雞圖》──伊藤若冲 《犬兒圖》──圓山應舉 《凍雲篩雪圖》──浦上玉堂 《冨嶽三十六景 神奈川沖浪裏》──葛飾北齋   ● 明治以降 《夜櫻》──橫山大觀 《序之舞》──上村松園 第四章 日本美術鑑賞的基礎入門   ● 館長陪讀!了解日本人對美的喜好 總在「無意間」感受到的東洋美學意識 對「空間連續性」的喜好 對「微型」的喜好 對「成對」的喜好   ● 館長陪讀!了解日本美術的創作技法 現實形狀不重要,畫出心象才關鍵 一切可觸動心靈的事物,都能視為美 日本美術建立在「幻想」之上   ● 館長帶逛!獨創不藏私的三種鑑賞法 ① 鑑賞「留白之美」 ② 鑑賞「線條表現」 ③ 鑑賞「主題的極端性」   ● 館長帶逛!日本美術的鑑賞入門 從日常中養成鑑賞的習慣 親炙真跡才是最佳鑑賞法 「國寶」未必隨時都看得到,若有展出務必前往 不必過分拘泥於國寶、重要文化財 特別企畫展的觀賞建議 在最初的存放空間內,親鑑真品的無上幸福

序跋

【臺灣版序】 透過知性涵養,成為世界級人才
  這回有機會在臺灣出版個人的兩本拙作,深感榮幸。   許多臺灣民眾都有留學歐美或日本的經驗,擁有遼闊的國際觀,對世界的動向也十分敏感。藝術是跨越語言和歷史的世界共通語言之一。我衷心期盼,這兩本書能夠加深大家對藝術的知性涵養、對藝術產生興趣、使藝術成為不同文化背景人們的共同話題。   瀨戶內國際藝術祭(Setouchi Triennale)是日本瀨戶內海地區的熱門話題,而瀨戶內藝術祭的起點,便是我參予創設的一系列直島藝術景點企畫。時至今日,瀨戶內藝術祭因許多來自國外的自由行旅客而熱鬧非凡,同時也被美國的《新聞週刊》(Newsweek)選為世界最值得一遊的百大景點之一。由此可見,海外人士對藝術的關注程度,可說是遠勝於日本吧。   近年來,日本因為藝術教養風潮的關係,市面上出現了許多通俗美學養成書,我也藉著這個機會出版了相關書籍。但是,從書籍學習與實際接觸美術作品終究是如隔天壤。   從事商業活動的人,除了必須具備未來性、邏輯性的思考能力外,在工作上也必須更加靈活地運用感性。單靠邏輯無法了解他人感受,最重要的是要有一顆親近他人的心。由此看來,人們企圖了解他人的方式,就和面對藝術時的態度是極為相近的。光是想像藝術家的心情、想像作品裡的人物或風景,就能與藝術面對面,達到精神的無我境界,這樣的過程相當有意義。千萬不要止步於書籍介紹,請務必親身接觸真實的作品。不論科技再怎麼進步,還是遠遠比不上親眼見到真品時的那份感動。 ▍我與臺灣的藝術交流   我和臺灣的關係一直十分深厚。   我第一次造訪臺灣時是九○年代。當時正好是臺灣的現代藝術剛邁入國際化的時候,我偶然和臺灣的美術館館長與策展人有共事機會。不光是在臺灣國內,我們還一同參與了有「美術奧林匹克」之稱的威尼斯雙年展(La Biennale di Venezia)等國際性舞臺。   在我擔任金澤21世紀美術館長時期,也有許多美好的回憶。例如在金澤舉辦介紹臺灣現代工藝作家的展覽會,或是反過來,到臺灣舉辦介紹現代工藝的交流活動等。另外,我目前任職的東京藝術大學與國立臺北教育大學之間,也曾為留日的臺灣畫家舉辦展覽會。就像這樣,我透過各種事業,與美術相關人士所建立的友好關係,至今已經長達二十年以上。   這些業界朋友從當時便已十分活躍,而在累積了更多資歷之後,他們現在已經是各所美術大學的教授或美術館長。另外,我本身也以國立臺南藝術大學榮譽教授的身分,持續投入臺灣的美術教育。只要有機會拜訪臺灣,不光是大學參訪,我同時也會在美術館等場合進行演講。   對我來說,臺灣是一塊特別的土地,因為那裡住了我許多朋友,是個令我感覺熟悉的所在;此外,在私人生活方面,臺灣朋友也給了我不少幫助。這次,《東京藝大美術館長教你西洋美術鑑賞術》和《東京藝大美術館長教你日本美術鑑賞術》能在臺灣出版,並被更多讀者看見,我真的相當開心。   衷心期盼各位能以這兩本書為契機,培養更完備的知性涵養及美學素養,成為活躍於全世界的專業人才。
【前言】 讀懂日本美術,改變觀看世界的方式
大家是否聽過「日本主義」(Japonisme)呢? 1855年,第一屆巴黎世界博覽會(Paris Exposition)上,展出了以浮世繪為首的眾多日本美術作品,在全歐洲掀起一股日本熱,並對莫內(Oscar-Claude Monet)和梵谷(Vincent van Gogh)等印象派創作者帶來極大的影響,更在這之後,形成西洋美術史上的眾多革命之一。 日本主義不光是盛行於十九世紀,直到現代,國外仍相繼舉辦各種大型日本美術展。例如,2018~2019年之間,法國巴黎便舉辦了一場名為「日本主義2018:交響之魂」的系列活動(以下簡稱「日本主義2018」)。 「日本主義2018」介紹了各種,曾為十九世紀後半西洋美術帶來重大影響的複合型日本文化藝術活動。不光是浮世繪等日本美術,還包括了歌舞伎、能劇與狂言等傳統戲劇、動畫與漫畫等現代文化,以及飲食、祭典、禪道、武道、茶道、花道(華道)等多元且豐富的日本面貌。 我本身也以策展人的身分,於這場活動中介紹了重新定義「書法」概念,作品堪稱前衛藝術的書法家井上有一(1916~1985年)。 ▍與西洋美術角度相當的高度評論 在「日本主義2018」的各項展出中,特別引起大眾關注的是「以若冲《動植綵繪》為中心」的展覽,這是江戶畫師伊藤若冲的作品首次在歐洲被大規模地介紹。 若冲的花鳥圖以細膩的筆觸和豐富色彩描繪而成,開展不久後便引起熱烈討論。短短一個月的展期,就創下了約7萬5000人的參觀人數;甚至在展期的最後一天,現場仍大排長龍,可說是盛況空前。 就連法國最具代表性的《世界報》(Le Monde)也評論:「淬鍊的細膩筆觸、協調的配色、優雅的構圖。」針對若冲的用筆、色彩、結構,這三種繪畫製作上最重要的要素,給予極高的讚賞。另外,法國最具規模的媒體情報誌《電視全覽》(Télérama),則誇讚其作品「令人回味無窮」。值得注意的是,這些媒體對於若冲作品的評價角度,都與西洋美術相當,而非僅止於「充滿異國風情」上頭。 不光是伊藤若冲,同時期於巴黎市立賽努奇亞洲博物館(Musée Cernuschi)舉辦的「京都之寶 琳派三百年的創造」展覽,便集結了俵屋宗達(1570~1643年)、本阿彌光悅(1558~1637年)、尾形光琳等,稱為「琳派」的系列作品,該展覽也獲得了絕大迴響。 當時我也曾親自前往「日本主義2018」的活動會場好幾次,看到人們在各種展覽會前排隊等待入場的情景,讓我不得不再次意識到法國人對日本美術的高度興趣。 這股日本熱潮不光是在法國延燒。在2017~2018年期間,以文藝復興發源地而聞名的義大利佛羅倫斯,便在烏菲茲美術館(Galleria degli Uffizi)舉辦「花鳥風月 屏風與隔扇上的日本自然」展覽,展出室町、桃山、江戶時代的山水畫屏風和花鳥畫屏風,充分呈現了出日本的自然景觀,十分受到喜愛。 此外,位於俄羅斯莫斯科的國立普希金博物館(Pushkin Museum),也舉辦了「江戶繪畫名品展」,介紹了以尾形光琳《風神雷神圖屏風》、葛飾北齋《冨嶽三十六景 神奈川沖浪裏》為首,包括圓山應舉、渡邊華山(1793~1841年)等人的名作,共計約130件的屏風、版畫、繪卷、掛軸等作品,締造了兩個月內參觀人次總計超過12萬人的佳績。 ▍喬.普賴斯、彼得.杜拉克……都深愛日本美術 另一方面,也有外國的知識分子持續發掘日本之美。例如,美國知名的收藏家喬.普賴斯(Joe D. Price),自從接觸了伊藤若冲的《葡萄圖》之後,就深深迷戀上江戶美術的魅力。他甚至還把若冲的《鳥獸花木圖屏風》掃描成電子檔案,並經特術印刷,將之複製在自家浴室牆壁上,可見其熱情程度。 而全世界對於日本之美的關注,不光只來自美術界。以「現代管理學之父」的稱號聞名於世的奧地利經營學家彼得.杜拉克(Peter Ferdinand Drucker),也是迷戀日本美術的知名人物之一。比起華麗且個性獨特的江戶美術,他更驚豔於室町之後的山水畫。杜拉克即便也有江戶時代的收藏品,但室町之後流行的文人畫(由非專業畫家的知識分子繪製的水墨畫),仍占了他收藏的三分之一。 綜合以上所述,早從十九世紀中期起,日本美術在國際上的評價一直都是人們關注的焦點,並不是到了現代才突然急劇上升。 ▍那麼,日本美術到底是什麼? 至於日本國內,近年來也經常聽到「日本美術風潮」(Japanese Art Boom)這種說法。2016年,位於上野公園內的東京都美術館舉辦了「誕生三百年紀念 若冲展」,短短一個月便吸引了440萬6000名的參觀人潮,幾乎可說是新的社會現象。各類特別企畫展的繁榮景象,便是人們對日本美術深感興趣且樂此不疲的最佳證明。 或許我們可以把日本國內的日本美術風潮,稱之為「江戶時代的美術風潮」,其獨特的個性和豐富的色彩,是容易被大眾理解且喜愛的重要原因。 話雖如此,當有人詢問「那麼,到底什麼才是日本美術?」又有多少人能夠清楚且簡潔地回答呢?今後全球化的腳步將會越來越快,在這樣的趨勢潮流中,我們需要的不光只是語言能力,更重要的是,能夠了解自身國家的文化,並達到侃侃而談的程度。否則,儘管你擁有清晰的個人價值觀,但如果對自己的文化背景過於生疏,就可能在全球化的競爭過程中迷失自我。 若要與世界競爭,在發揮個人的商業技能之前,你必須先懂得如何回答:「自己究竟是誰?」那些成就非凡的人士,之所以能成功地克服國際之間的波瀾,就是因為他們確立了「自己有何用處」、「自我存在的意義」。於此同時,自國的美術和文化素養,就紮根在個人的內心深處。 相較於此,即便你說得一口流利的英語,如果內容空洞、缺乏內涵,對方也不會把你放在眼裡。假設你問法國人:「對於《蒙娜麗莎》(Mona Lisa)的魅力,你有什麼看法?」這個時候,身為商業菁英,絕對可以說出個人看法或答案;就算再怎麼不熟悉,這些成功人士也總是能以自己的方式提出一番見解。 那麼,如果把立場顛倒過來,又會是如何呢?當外國人問你:「對於葛飾北齋的版畫魅力,你有什麼看法?」你能夠馬上回答嗎? 北齋在國外的名氣,絕對超乎大家想像。若你只能支支吾吾地講出一些半吊子的答案,對方一定會立刻將你視為毫無涵養之人並予以輕視。如此一來,彼此就很難建構出對等關係,後續也很難有合作機會。 實際上,在全球菁英齊聚的場合,主辦國多半會在聚會之前,安排與會貴賓前往自己國家的「文化景點」參觀。我也經常因緣際會,陪同日本的高階主管共同列席類似的場合。主辦國的人會在賓客面前談論自己國家引以為傲的名畫或名作,在這之後,便會拋出下列問題:「那麼,日本的情況又是如何呢?」 我就曾親眼目睹日本的高階主管當場愣住,只能給出曖昧模糊的答案。其實,只要充分了解自己國家的文化,就能產生個人風格、對事物獨到的看法,甚至贏得其他國家的尊重,實在是相當划算的投資。 ▍「一張圖兩步驟」,輕鬆體會日本美術的趣味與精妙 如同前文提過的,從過去到現在,全世界從未停止對日本美術的關注。為了培養基礎的鑑賞知識,本書嚴選了許多初學者應該知道的創作者與經典作品。在第二~三章裡,我更獨立介紹了18幅名作,讓大家透過「一張圖兩步驟」的脈絡,輕鬆體會日本美術的趣味性與精妙之處。 ◎步驟一/從作品表現鑑賞:看懂繪圖技巧、色彩與主題等。 ◎步驟二/從歷史背景鑑賞:理解創作當時的社會與思想背景等。 讀完這本書之後,你必定能回答「何謂日本美術」這樣的本質問題,此外,對於日本美術的演變與進化,以及為何全世界會如此關注此時期的這件作品,也能有概略的了解。在第四章裡,我也會以「館長陪讀」、「館長帶逛」的統整方式,進一步解說日本美術鑑賞的基礎入門。期待透過本書,能讓過去對日本美術不是那麼熟悉的人也樂在其中。 越是了解日本美術,就越能真確地感受何謂美學,進而影響你個人眼中的世界、如何參與現實生活、與他人產生互動,最後更會擴及至一切的思想、看法和感受。你一定會發現,過去那些日常生活中被視為理所當然的事物,其實全都源自於眾人內心所承襲下來的感性。 漫畫、動畫、遊戲、流行文化等日式藝術感受,正是現代人所追求的普世價值。還請各位確實學習如何鑑賞日本美術,使獨有的審美觀覺醒。正因為時代不斷在改變,所以請試著重新思考身在全球化的時代,究竟該擁有何種態度。如此一來,大家便能藉由這些全新(或說重新喚醒)的體驗,改變觀看世界的方式。

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日本美術的核心是「繼承」   在本書前作《東京藝大美術館長教你西洋美術鑑賞術》裡,我曾提過,西洋美術的核心是「革命」。這是因為西洋美術都是靠著「破壞既有的藝術,不斷衍生出全新價值」而持續前進。   例如,當哥德式(Gothic)抬頭,走在前頭的羅曼式(Romanesque)就會消失;而文藝復興(Renaissance)興起後,哥德式(Gothic)便會逐漸消聲匿跡。   相較於此,日本美術則非常注重傳統,長久以來的創作關鍵,都在於「如何承襲技術和思想」。換句話說,日本美術的核心,其實是「繼承」。以室町時代的狩野正信(1434∼ 1530年)為起點,直至明治時期(1818∼1912年)仍持續承襲前人技法、傳承超過四百年之久的「狩野派」,便是日本美術「繼承精神」的典範。   由於後世創作者都是以臨摹「粉本」的方式學習繪畫,所以大家的作品難免看起來雷同。這中間除了狩野永德(1543∼1590年)等人,這些狩野派的中興之祖(在繼承技法之外,更在創作中發揮了傑出的個性)之外,江戶時代許多狩野派畫家的畫作,不論哪一幅真的都很相像,換作是普通人應該都無法立刻分辨差異何在。   這或許也是導致日本美術乍看似乎「怎麼看都差不多,毫無個性可言」的主要原因之一。   但這也正是日本美術的優點,既然沒有太過新穎的變革,大家便好好守護這些前人們所留下的傳統。就連現代日本各式各樣的次文化(subculture)中,同樣也潛藏著唯有日本美術才有的遺傳因子。 《源氏物語繪卷》——作者不詳 十二世紀,繪卷,五島美術館(東京) ◎步驟一/從作品表現鑑賞:日本最古老的宮廷醜聞繪卷   宮廷女作家紫式部在十一世紀平安時代,完成了日本現存最古老的長篇小說《源氏物語》。在這之後,便一直有許多不同的創作者,針對此主題繪製相關畫作。其中最為古老的,便是在平安時代末期描繪的這件《源氏物語繪卷》。   這件作品完成於《源氏物語》誕生一個世紀後的十二世紀前半。此時期歐洲的西洋美術,正流行於教堂的天花板或牆壁上,繪製以《聖經》或聖人傳為題材的「宗教繪畫」。《源氏物語繪卷》共有十卷,使用了極為昂貴的和紙與顏料,並於畫作中全力描繪平安貴族醜陋的情愛與權力鬥爭。原來早在近千年前,日本美術就已有如此八卦大膽的作為,著實令人詫異。   在西方人眼中,最令他們驚訝的,就是《源氏物語繪卷》這種,彷彿將屋頂、天花板全部掀開,以「全知式」的視角窺探房內狀況的鳥瞰式構圖。此為日本美術獨有的「吹拔屋台」(即無頂房屋)技法,成功地在以《源氏物語》這部探究男女關係小說為主題的繪卷裡,打造出窺伺幽會、探人隱私的氛圍。   在現代的展覽會等場所,繪卷都是以完全敞開的狀態展示。但正常來說,應該要像電影膠片那樣,用左手將卷軸拉開至與肩同寬的寬度,然後一邊將視線由右往左移動,一邊用右手將繪卷收束起來。如此一來,鑑賞者便能帶著既緊張又興奮的心情以左手再打開下一段繪卷,滿心期待接下來的劇情發展。   不論鳥瞰式的窺視也好,宮廷醜聞的揭露也罷,《源氏物語繪卷》的畫作內容,皆來自於全知式的私人視角。此部分和公開裝飾在專為公眾建造的教堂裡的西洋宗教繪畫截然不同。此外,繪卷中的人物形象,還會與屋外的自然景物結合,並透過各場面不同色調的微妙變化,表現季節時令的推移、襯托人物心境。 ◎步驟二/從歷史背景鑑賞:日本獨有的國風文化於焉形成   由於平安時代後期廢止了遣唐使,中國文化的傳入也遭到阻斷,連帶造就日本特有的「國風文化」形成。   所謂國風文化,其實就是日本的貴族文化。該文化的最大突破,便是柔性地簡化漢字的表音文字,發明了日語特有的「假名文字」(包括平假名、片假名)。這項創舉促使「國文學」(國風文學)得以蓬勃發展,原本以藤原氏為政治主力的時代,開始有了紫式部、清少納言等優秀的女性作家嶄露頭角。   到了平安時代的院政期,與中國風的「唐繪」僅有一線之隔的初期大和繪(《源氏物語繪卷》即為一例)開始流行;創作者更會於畫作中,以流暢且華美的假名文字書寫註解。   所謂大和繪,是為了與唐繪、漢畫區隔而產生的名詞,到了鎌倉時代後期,大和繪成為「平安時代以來的傳統繪畫」的通稱。大和繪的最大特徵,是以緩和的線條與華麗的色彩描繪日本的自然與風俗。例如《源氏物語繪卷》中用以表現人物細眼、勾鼻的「引目勾鼻法」,便是大和繪獨有的表現方法。   由此可見,這個時代的「美」,是以女性的感性為訴求,藉由美麗的色彩與柔和、平穩的造型組合,勾勒出和諧的優雅美感。   從疏遠中國文化,最終獨立發展出國風文化的過程中,日本人究竟有著什麼樣的美學意識?這個問題的線索,或許就隱藏在我過去擔任館長的金澤21世紀美術館,負責設計裝潢的西澤立衛所說的一番話裡。   西澤曾說,與西洋建築相比,日本建築的內外區別十分曖昧。   例如,奈良的唐招提寺。這座保有奈良時代天平遺風的寺廟,只要走近一看,就可從遠處看到屋頂。但等你慢慢靠近後,卻會在某個位置看不見屋頂,取而代之的則是屋簷。這個時候,人當然還是在建築物外頭,不過,這種視野的變化,卻能讓造訪者注意到自己已進入建築的領域。進一步走到屋簷下方之後,儘管還沒踏進正殿,身處於建築物之中的感覺,又會比剛才來得更強烈。   西澤說,這種先經過中間領域,再慢慢走進建築物的方式,是日本人特有的空間意識,是「突然從外頭便直接走進建築物裡」的西方人所沒有的。   西方用「內與外」這樣的二分法來區分空間;日本則有像門廊那樣,既不是房間,也不是室外的場所,只要在那種地方坐上片刻,心情就能平靜下來。這也是某種日本精神上的表現。日本人總是時時刻刻想與大自然融合在一起,而這樣的自然觀正是日本美術的本質。 《紅白梅圖屏風》——尾形光琳 十六世紀,紙本金地著色,MOA美術館(靜岡) ◎步驟一/從作品表現鑑賞:教人驚嘆連連的縝密對比結構   不只在日本國內,就連海外也擁有超高人氣、最具代表性的琳派畫師尾形光琳(1658~1716年),他在晚年所描繪的,便是這幅堪稱集大成的作品《紅白梅圖屏風》。   這件日本國寶收藏在靜岡縣熱海市的MOA美術館,每年都會配合梅花季節公開展出。MOA美術館附近也有可遙望相模灣絕景的梅園,在公開展出時期,此處總是擠滿了前來觀賞光琳屏風和梅花,感受春天到來的人潮,十分熱鬧。   或許畫面中的時節正處於初春階段,映照在金箔上的梅花仍為花蕾;畫作中央的河川推測是溶解的雪水。據說,這幅為慶賀春季造訪的作品,是當代富商津輕家的主人為了祝賀兒子新婚而委託尾形光琳製作。   仔細觀察便可發現,光琳在這件作品的圖案中,配置了各種不同的對立元素。首先,右邊的紅梅是年輕的梅樹,茂盛的細枝向上延伸;左邊的白梅則呈彎曲狀,代表這是一株老梅樹。除了梅樹的樹齡彼此對比之外,佇立梅樹的靜謐與水流的躍動也互為對照。更有人指出,真實感強烈的梅樹與設計感十足的河川,其實暗喻著男女的形象,梅樹是男性,蜿蜒流動的河川是女性。畫中的一切彼此呼應,呈現兩兩相對的縝密結構。可說是立於裝飾藝術巔峰的光琳最真實的價值表徵。   時至今日,畫面中河川的黑底上仍可看到茶褐色的曲線紋路,但其實這些紋路原本是以銀箔妝點而成。為了與畫紙的金箔做出差異,黑底上的水紋自然得用銀色表現。就畫作現存的樣貌來看,在創作當下,光琳的確已考慮到銀箔會隨著時間逐漸變黑色的問題。由於雪水溶解後會變得混濁,因此變色後的銀箔最能用來詮釋初春的溶雪,整體的光澤也會由剛完成時的金碧輝煌,轉變為沉重而低調的奢華;刻意設計的流水波形與河面上真實的水紋亦呈現完美的對比。   上述這些巧思,無不傳達出光琳超越單純裝飾的高超意境。 ◎步驟二/從歷史背景鑑賞:既無血緣也非師承關係的琳派系譜   所謂琳派,是在安土桃山時代∼江戶初期的繪畫流派。包含本阿彌光悅、俵屋宗達,以及大約一百年後活躍於江戶時代中期的尾形光琳;出現於更之後一百年(江戶後期)的酒井抱一(1761~1828年)等。   儘管說是流派,琳派和狩野派卻大不相同。琳派的畫師們既沒有血緣關係,也並非師徒關係,只不過是因為後世的畫師崇拜、景仰前人的作品,因而在跨時代的情況下,繼承了其畫作的特徵或技法,也就是所謂的概念繼承。   狩野派自認繼承了雪舟融合中國水墨畫的日式畫風,早從室町時代後半開始,直到江戶末期期間,在獲得權力者的支持之後,逐漸形成勢力龐大的派系。另一方面,琳派則是些工匠或商人系譜等立場自由的畫師,以平安時代的大和繪為基礎,擅長典雅的裝飾性畫風。   琳派的共同點是平面性、圖樣化與適當寫實的對比。例如尾形光琳的《紅白梅圖屏風》,便將自然界不可能出現的構圖收納在畫面中,可說是完美表現琳派裝飾藝術概念的最佳作品。這種源自琳派的裝飾概念,也在十九世紀後半,被奧地利的畫家古斯塔夫.克林姆(Gustav Klimt)所繼承。克林姆在1873年的維也納世界博覽會上,看到光琳的《紅白梅圖屏風》等屏風畫作品後驚為天人,因而開始學習日本的金箔技術,進而確立了與油畫融合的獨特技法。克林姆以金箔裝飾性的平面畫法,繪製了舉世聞名的代表作《接吻》,確實會讓人聯想到「琳派」的屏風繪。   若說克林姆是琳派在西方的繼承者,實在一點也不為過。 館長陪讀! 了解日本美術的創作技法 ▍現實形狀不重要,畫出心象才關鍵   在擁有千年歷史的日本美術當中,最普遍的共同點是,創作者描繪的是「對象之美」,而不是描繪「美的對象」。   聽起來好像有點複雜,以下用西洋美術作為對照。以油畫為代表的西洋繪畫,主要是把眼前的對象物忠實畫在畫布上,以「具象表現」為主;日本則是以經過心靈過濾後的「心象畫」為主。也就是儘管對象物就在眼前,創作者們仍著重於「把自身所感受到的美描繪出來」。   平安時代前期的歌人紀貫之(872∼945年)在《古今和歌集》(笠間文庫)的開頭寫道:「和歌以人心為種子。」所謂和歌,是把心靈感受到美的事物當 成「種子」,然後透過文字和曲調詠唱出來。同樣的道理,日本美術也是把人心當成「種子」,以極富感情的形式表現出美。   東京大學的名譽教授高階秀爾是藝術史學家,他除了研究西洋美術史之外,在日本美術方面也有深厚的造詣。他在著作《欣賞日本美術的眼光》(岩波現代文庫)中,提出以下的敘述。   「在日本美學意識的歷史中,不論對稱、比例、幾何學、黃金比例,或是其他任何方法,似乎都找不到把『美』還原成合理法則的方法。因為所謂的『美』,不是專屬於某種對象的性格,而是存在於感受到美的那個人的心裡。」   簡單來說,當人們感受到難以用言語形容的美時,就會把那種情感描繪成具體的形象,這便是日本人自古以來的做法。 ▍一切可觸動心靈的事物,都能視為美   在日本美術創作者的眼裡,就算欲描繪的對象不具備絕美的外觀也無妨。例如,儘管當下沒有盛開的花朵,只要你覺得散落在河川上的花瓣很美,仍然可以將之當成描繪的對象。   所謂「對象之美」的「美」,並不只限於「漂亮」或「美麗」。就連可愛、敬畏、悲傷、驚奇、歡笑、憧憬或是憐憫之類的情感也包含其中。   庭院裡長滿青苔的石頭,之所以深受日本人喜愛,也不單單只是因為覺得「漂亮」,而是堆疊在青苔上的歲月,充滿無限回憶,觸動心靈的關係。也就是說,日本人把一切「觸動心靈」的事物視為「美」。   心靈被觸動的同時,也證明了自己活在當下,對某些事物有所感覺。或許日本美術自平安時期以來,就是在描繪對生命的感動。   就日本美術的特徵來說,許多作品都可以看到用來表現這類心象的手法。進一步來說,既然作品描繪的是心象,當然無須太過寫實;又因為心象與從何種角度觀察對象物毫無關係,所以也就不需要利用遠近法或陰體做出立體表現。   因為創作者真正描繪的,是沒有形體的心,所以就會出現日本文化權威唐納德.基恩所指出的「變形」且「不規則」的現象。也有人會用「曖昧」來形容日本美術,但那或許是因為人的心靈總是不斷改變所致。

延伸內容

【推薦序】 美的傳承——他鄉之石
◎文/陸蓉之(實踐大學創意產業博士班教授)   秋元雄史館長以日本美術史上著名的藝術作品,「一張圖兩步驟」的敘事手法,解讀了日本美術史發生的時間背景與作品事實的兩條平行脈絡,編織成一個涵蓋了兩千年悠久文化日本觀點的文字織錦藝術作品。   自從十八世紀以來,西方文明席捲了全球的上層知識結構,藝術史基本上是以西方中心思維所書寫,掌握了二十世紀現代藝術的濫觴與發展的話語權。今天大多數的亞洲當代藝術策展人、藝術家、藝術史學者、藝術收藏家或單純的藝術愛好者……等,對西方的藝術史大多能夠如數家珍,但普遍對自身的文化和歷史所知有限。這本書的出現,彌足珍貴。   許多人對日本藝術的認知,往往存在了偏見,過度強調了古代中國唐宋的影響,或者近代歐洲印象畫派的影響,這種概略化的簡單解讀,恰恰忽略了在歷史進程中無數的細節與機遇,對每一民族的文化發展而言,都是極其關鍵與重要的。《東京藝大美術館長教你日本美術鑑賞術》,這樣一本深入淺出的導引讀物,可以說是乾旱沙漠裡突然降下的甘霖。   以十二世紀的《源氏物語繪卷》為例,與其同時的英國也有一本泥金裝飾的手抄本《聖奧爾本詩篇》(The St. Albans Psalter)是英國中世紀羅馬式風格手抄書的代表作之一,印證了秋元雄史館長分析當時歐洲宗教繪畫與日本繪畫表現手法之間的巨大差異。而與此同時,中國南宋的《清明上河圖》平移視點的寫景構圖,和墨線為主的筆法,也與《源氏物語繪卷》的鳥瞰式構圖、金碧輝煌色彩的裝飾趣味,兩者相去甚遠。引領讀者從自己所熟悉的美學認知經驗裡,對不同地域與文化的同時代審美愛好進行兩相比較,是秋元雄史館長最能夠引人入勝的一貫手筆。   被視為日本漫畫鼻祖的《鳥獸人物戲畫》,也是十二世紀的作品,但是與《源氏物語繪卷》的豪華精緻截然不同,看來像是民間的遊戲之作,白描的筆法應該是源自於中國唐代的人物畫。這兩件日本國寶級的巨制,早在八百餘年前就已經奠定了日後日本美學的發展取向。《源氏物語繪卷》從構圖、色彩、細節都展現了日本宮廷文化美學中一絲不苟的嚴謹,和高度裝飾性的唯美主義;《鳥獸人物戲畫》豐富而充滿寓意又帶有幽默感的敘事手法,假借動物的形體,寄身在相當寫實的民間生活場景裡,表現了日本平民百姓的民族性,在看來尋常無奇的外表下,內在卻隱匿了巨大而狂野的想像力。   秋元雄史館長在書中提到日本首創的「視點移動」,確實在西洋美術中未見,但在中國藝術史學者傅申教授的「書畫船」研究下,他認為中國手卷特有伸展開來的「平移視點」,是因為中國文人藝術家在書畫船上創作所致,和日本手卷繪畫的視點移動,有異曲同工之妙,各位不妨繼續深入研究考證。   《源氏物語繪卷》、《鳥獸人物戲畫》、《伴大納言繪詞》和《信貴山緣起繪卷》同為日本國寶級的四大繪卷,這些日本原創的日本畫風,早在平安時代就奠定了今天日本在動漫、遊戲、生活情趣方面創造的原動力,而引領了全球。鎌倉時代的《地獄草紙》一類對鬼神充滿想像力的繪畫盛行,一方面是當時對佛教衰微所引起的末法思想所影響,加上天災人禍更是驚覺人世的無常,而無常即日常的生死輪迴宗教觀,日後發展成民間對於鬼怪(妖怪)文化的著迷,是其他民族所少見的,形成了日本獨有的次文化氾濫的沃土。   宗教繪畫,在日本繪畫中占有很高的比例,而中國獨尊文人繪畫的一脈(除了佛像)較少以鬼神為創作題材。秋元雄史館長對於日本歷代的宗教繪畫,不論是時代背景或畫風皆有詳盡的解說,有助於理解宗教繪畫對於日本畫風形成的影響與過程。   有關東方偉大藝術家的記述,比起西方美術史而言,至今都還是遠遠不足的。《東京藝大美術館長教你日本美術鑑賞術》最精彩之處,就是作者對每一個時代具有代表性的重要藝術家生平,有比較詳盡的介紹,例如:鎌倉時代(和梵谷一樣)割掉耳朵的明惠上人;室町幕府禪僧如拙的《瓢鮎圖》;幕府與畫僧聯手進入水墨畫全盛期的雪舟等楊;雄踞畫壇四百年的「狩野派」畫師們皆尊崇雪舟為師承,以身為雪舟傳人而自豪,將雪舟神格化為畫聖;日本戰國時代的畫僧雪村周繼,是日本美術史上首位倡導以個人主義思維創作的水墨畫家。   桃山時代的狩野永德留下《唐獅子圖屏風》那樣的大作,卻是英年早逝的悲慘天才;「長谷川派」的創始人長谷川等伯,54歲時的喪子之痛讓他繪製了《松林圖屏風》那樣的傳世之作;工匠或商人系譜的自由畫師所組成擅長典雅裝飾畫風的「琳派」,例如尾形光琳的《紅白梅圖屏風》,他和弟弟尾形乾山同是畫師也是引領新時代風尚的設計師,是跨界藝術的鼻祖。   江戶中期的伊藤若沖創下直接對著物件寫生的《動植綵繪》系列;同時代的圓山應舉也以寫生的方式表現出一種「萌」的情態,自成「圓山派」;日本文人畫的「南畫」大師浦上玉堂的《凍雲篩雪圖》為諾貝爾文學獎得主川端康成所收藏;葛飾北齋是真正名揚國際的日本藝術家,他曾完整彙整他的繪畫技法結集《北齋漫畫》,以畫本形式發行他的素描畫冊,北齋的《冨嶽三十六景》系列作品,在日本家喻戶曉的程度,直可以媲美義大利文藝復興巨匠達文西的《蒙娜麗莎》。   明治時期才誕生與西洋畫對比的「日本畫」的名稱與概念,橫山大觀捨棄傳統日本畫的描線,而表現色彩、光線和空間之間互動關係的「朦朧體」的全新「日本畫」路線,被譽為譽為日本的國民畫家;至於「前無古人,後無來者」的天才女畫家上村松園,坎坷的一生,最終成為日本歷史上第一位獲頒文化勳章的女畫家。   秋元雄史館長以他生動的口語化文筆,把漫長的歷史、錯綜複雜的派系糾纏,一路娓娓道來,增添了許多閱讀的樂趣。這是我讀過最吸引人閱讀的日本美術入門之作,一路看下去,都停不下來!此外,秋元雄史館長特別強調日本美術非常重視「傳承」,這點和西方往往以革命的手段,推翻歷史的態度截然不同。所以,他對書中每一位創作者之間的師承關係,不論是血緣還是師徒,都多有著墨,在他筆下所顯示的代代承繼就是日本精神,例如傳承至今的狩野派,已超過四百年的歷史,日本人能夠以這樣的日本精神為榮,不但是東西美術之間的最大差別,也值得我們身為五千年文化的傳承人所借鑑與省思的他鄉之石。   (本文作者陸蓉之,現任實踐大學創意產業博士班教授。出生於臺灣的上海文人家庭,幼年即被譽為天才兒童,17歲時所繪《橫貫公路》長卷為臺北故宮收藏。1971年赴比利時就讀布魯塞爾皇家藝術學院,1973年赴美獲得藝術學士與碩士。1970年代中期起為中文藝術雜誌、報紙撰寫藝術評述文章,中文「策展人」[curator]一詞,即由她翻譯而來,是華人當代藝術圈內第一位女性策展人。主要著作有《後現代的藝術現象》、《當代美術透視》、《「破」後現代藝術》等。現為紀錄片電影製片人、導演。)

作者資料

秋元雄史(Yuji Akimoto)

一九五五年生於東京,東京藝術大學美術系繪畫科畢業後,以畫家身分持續創作並兼職藝術寫手。因偶然看到報紙上的徵才廣告,在一九九一年進入福武書店(現倍樂生集團),一邊擔任國吉康雄美術館的主任研究員,主導了其後以「Benesse Art Site Naoshima」(直島倍樂生藝術之地)聞名的藝術計畫。 二〇〇一年企畫執行「Out of Bounds」展,從中誕生了直島的象徵性作品――草間彌生的〈南瓜〉,並促成讓藝術家改造整棟古民家為作品的「家Project」。二〇〇二年,因購入莫內的〈睡蓮〉進而構思「地中美術館」,協助擬定建築方針。自地中美術館開幕的二〇〇四年起擔任館長,就任公益財團法人直島福武美術館財團常務理事,同時兼任直島倍樂生藝術之地的藝術總監。原年度造訪人數未達三萬人的直島倍樂生藝術之地在二〇〇五年超過十二萬人,首度達成單一年度獲利。 後於二〇〇六年辭去財團工作離開直島,沉潛不久後,隔年就任金澤21世紀美術館館長,造就日本國內美術館中最高年度入場人數達兩百五十五萬人次的現代美術館。任職十年後離開金澤21世紀美術館,現為東京藝術大學大學美術館館長暨教授,並擔任東京都練馬區立美術館館長。 著有《驚奇金澤》(おどろきの金沢,講談社)、《日本列島「現代藝術」之旅》(日本列島「現代アート」を旅する,小學館)、《工藝未來派――變為藝術的新工藝》(工芸未来派――アート化する新しい工芸,六耀社)等書。

基本資料

作者:秋元雄史(Yuji Akimoto) 譯者:羅淑慧 出版社:方舟文化 書系:生活方舟 出版日期:2020-05-06 ISBN:9789869881913 城邦書號:A2420096 規格:平裝 / 全彩 / 256頁 / 14.8cm×21cm
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