【前言】藝術的起源與美的追尋
▎藝術可以是生活的一部分
目前畫壇的亂象,確實讓不分老少的畫家們浮現許多問號。所有人都在問:以目前的標準來說,我們究竟可以依據什麼價值,評價一幅畫?我們還有一套穩固紮實的基本原則,讓藝術教學有所依循嗎?到底,藝術正在日漸墮落,或者正透過一些嶄新概念而重現活力呢?
看來,畫家現在面臨的最重要問題就是:要先搞清楚藝術究竟是什麼,並為自己的創意開闢出一條道路,再全心全力朝向個人目標前進。畫家必須明白,除了個人主觀見解外,藝
術不再受理論所束縛。換句話說,藝術不能再依照既定規範的方法與實務來分類。現在,藝術正在為本身的成長而付出代價。藝術終於敞開大門,以前所未見的方式,接受個人創意。藝術已經成為一種個人表現的廣泛工具。
現在,如果我們決定要成為專業畫家,我們就必須將藝術本身的範疇擴大,把各種創意表現形式都包含在內。藝術不再像以往那樣,受限於繪畫與雕塑的傳統形式,而必須成為人們當下生活的一部分,因為不管現在或未來,藝術都與我們同在。舉凡建築、製陶、工業設計、編織和織品皆為藝術,都是跟新的生活方式密不可分的一種表現工具。
我們要趕緊破除「藝術是某種『主義』或教派」這種概念。這種事存在於一個完整概念之內,但卻只是整個藝術發展運動中的某些面向。當我們能夠理解藝術其實是人類本身不可或缺的一部分時,我們只要回顧過往就會發現,早在人類智慧發展初期,藝術就已經存在了。而且,在世上所有人種中,都找得到藝術的印記。藝術是人類努力創造更美好世界,並以不同形式將美融入生活的一種表現。它是一股創造力,因此自然會跟人們當下的情況與境遇互相呼應。目前如火如荼展開的藝術改革,就是這時期人們對於各種傳統思維普遍感到厭惡的合理結果。
現在,國家和政治面臨的種種危機,說穿了就是人們為了爭取個人自由和表達自由所做的奮鬥。因此,藝術隨著時代演進,讓畫家獲得藝術史上前所未見的更多表現自由,當然事出有因,絕非巧合。
▎捕捉美是一種挑戰
一直以來,「濫用自由」這種危險始終存在。以藝術方面來說,這表示沒有知識或沒有能力的人,跟技巧高超者獲得同樣的自由。其實,自由的前提是:個人在道德和社會上負起責任,凡是做壞事對社會不利者,就是不負責任。然而,藝術界新發現的自由,卻讓創意這個鐘擺擺幅過大。有些人自稱為畫家,卻連一點藝術基本功也沒有。古代大師要是看到我們現在大言不慚的「藝術」,肯定會氣到從墳墓裡跳起來。
這種良莠不齊的情況讓優秀畫家深感絕望。儘管如此,目前的狀況還是比一切毫無改變要健康得多。藝術不能、也不應該原地踏步、停滯不前。我們不必擔心藝術有凋亡之虞,會凋亡的只有藝術形式。一切的混亂終將歸於平靜,藝術界會重新恢復秩序,具有確切價值的新概念將在各地蓬勃發展。於此同時,與其丟棄以往所有的概念和常規,倒不如好好從這些概念和常規中,找出對當今有用之物。這時我們該做的是,彙整以往蒐集的龐大知識,將這些知識跟較新的概念整合,再與日後出現的概念結合。我們要利用科學探索的方法,讓藝術蒙受其利。科學家不會貿然丟棄某個理論,除非那個理論經證實有誤或毫無價值。只因為過去不是現在的一部分就譴責過去,那就跟堅信傳統而墨守成規一樣,都犯了目光短淺的毛病。同樣地,忽視新的真理,不把它們囊括到我們的知識寶庫裡,也是目光短淺之舉。雖然有些藝術形式會過時,但是我們沒有理由相信,基礎知識也有過時之虞。
我們何不把藝術當成一條貫穿古今的河流?這條河流的湍湍河水有部分已經流過我們身邊,有部分正在經過,還有一大部分尚未流至。我們可以把每幅畫當成是這條藝術之河中的一瓢水,它映照出河面上的某些美景,或呈現出某些真實性。
一直以來,畫家廣為採用兩項基本概念並深感滿意,而且這種情況可能持續下去。這兩項概念就是:於平面表現的二維藝術(two-dimensional art,亦稱平面藝術),以及利用三維空間表現的三維藝術(three-dimensional art)。二維藝術會以不同裝飾形式繼續存在,而三維藝術則會持續尋求形體之美。如果我們承認裝飾就是美化的過程,我們就會發現,「美」正是這兩項概念的基礎。
人類有意識以來就在追求美,並逐漸在生活環境裡增添美感。有些人具備創造美的強烈欲望,有些人則有追求美或擁有美的極度渴望。我們從每天選購物品、梳妝打扮和美化周遭環境這些事情上,就能證明這種渴望的存在。不管是想創造美或想擁有美,我們與生俱來就有一種追求完美的欲望。廣義地說,這種欲望就是所有進步的根基。我們努力跟別人比較,希望自己比別人更有成就、比鄰居更體面、用更高檔的東西。對於喜歡創造美的人來說,他們天生就以做出比別人更棒的東西為傲。至於那些想要擁有美的人,他們則想擁有更好的產品、最讚的技術、更棒的房子和更美的嬌妻。而且,這種擁有美的欲望,只會受到獲取能力或購買資金所限。我們需要空氣才能存活,而創造美或擁有美的這股衝動,就跟空氣一樣重要。
我相信,以創造美作為本身藝術創作根基的畫家,在個人追求藝術的道路上,不會出什麼大差錯。大家都認同,美是包羅萬象的,畫家終其一生也只能涉獵到美的一小部分。我們應該擔心的重大危險是:允許美因為個人意見、趨勢和主義而陷入困境,讓個人的理解局限在只有少數人支持的武斷意見。我們應該了解,美必須是自由的,是屬於你我這種個人,也就是我們能力所及的範圍。美就在我們周遭,等著我們去發現。每位畫家應該運用自己獨特的方式,在紙上或畫布上把美詮釋出來。
人們常問:如何分辨一張好畫?演員暨藝術品收藏家文生‧ 普萊斯(Vincent Price)巧妙回答說:能取悅你的畫,就是一張好畫。如果這種說法是對的,那麼接下來要問的問題就是:如何畫出一張好畫?我相信這問題的答案也呼應普萊斯的說法,那就是:用取悅自己的方式去畫,就能畫出一張好畫。別管其他人怎麼說和怎麼做,除非你認為那個人的作品最能啟發你。不要因為別人的說理、含糊不清的解釋和推銷辭令,就照著別人的方式去做。你從「實做」中感受的喜悅,才是你培養任何個人技法的重要基礎。
記住,你擁有的獨特優勢是,或許你發現的美,是與眾不同的,你用跟他人不同的方式去切入,去發現美。這項差異會協助你挑選與自己品味相符的主題,也會引導你前往令你欣喜的新領域。因為美無所不在,所以美的來源可說源源不絕。但是真正能捕捉到美,卻是極其罕見,也是一項亙古不變的挑戰。
▎畫家的詮釋能力
在尋找繪畫主題時,我們可能跳脫自然,只專注於形體、質感或色彩之美。我們在單純的幾何形狀與空間裡,就能發現美;在創造表面、平面和抽象形式時,也能找到美。因此,我們必須拓寬眼界,要是我們選擇以抽象風格創作,我們仍舊會發現,美才是我們追求的極致目標。與其花時間譴責我們不認同的事,倒不如全心創作並盡情享受創作的自由。我們認為事情該怎麼做,就要知行合一,並給予他人在表現上有同樣的自由。受人景仰的藝術一定是個人的獨特表現,也一定饒富創意。寫實主義(realism,亦譯為現實主義)也能在挑選主題和表現主題上發揮創意(⊕1),因為那是畫家個人所見與感受。你畫的題材是否存在於現實世界裡,根本無關緊要。不管是用印象派的觀點來概括創作,或是用忠於寫實的方式來刻畫細節,都能完成一件藝術創作(⊕2、⊕3)。主題不能跟畫作畫上等號,畫家的詮釋方式才是藝術創作成敗的關鍵。抽象藝術和寫實藝術只是繪畫手法的兩種不同形式,誰也不能說哪一種形式更勝一籌。
藝術總會有自己的趨勢,而這些趨勢就由當時最傑出的畫家引領風潮。但是,創造力這個鐘擺從未停止擺動,因為每個人是用自己與眾不同的雙眼去觀看,用自己獨一無二的頭腦去思考。每個人的感受力不同,也不會因為環境產生同樣的激勵和影響。事實上,不可能有兩個人能從零開始畫出一模一樣的畫。
現在,畫壇似乎興起一股風潮,畫家不注重傳統訓練,而講究即興式的創意表現。以往大師們願意研究和獲取知識,現在大家卻強烈渴望這種即興創作。因此,我們看到許多作品出自缺乏學院知識的素人,還有一些作品則是人們努力畫出自身感受,而非雙眼所見。人們有權利以這種方式表現自己,這一點我們無法否認。畢竟,從情感的觀點來創作,也很有可能創作出美的作品。其實,以美的要素來說,就算缺少其中一項,還是可能由另一項彌補。
大家都知道,許多美術科班生和專業畫家的作品,並未表現出絲毫情感,根本無法稱為藝術創作。這類作品可能平庸刻板,整體來說既沒有靈魂也缺乏原創性。
▎具象?或抽象?
不過,跟經驗老到的寫實派畫家相比,不具備學院訓練的抽象派畫家,確實在繪畫上更需排除萬難。這類畫家的情況就好像對木工一竅不通,卻野心勃勃想蓋出一棟房子。由於所有知識都是憑藉畫家本身的技巧和從實驗中取得,所以畫家還要面臨可能被徹底誤解的危險。因此,畫家必須以非凡的創意,彌補本身技法的缺失,但是欠缺技法知識,其實很快會露出馬腳。
據我所知,目前並沒有跟素描、明暗、色彩或形式表現有關的基本知識與訓練,教導人們如何成為抽象派畫家。我建議想要以抽象畫為創作主軸的年輕畫家,應該跟具象畫家一樣,必須以深厚的技法為基礎。畢卡索(Pablo Picasso)和許多現代畫家的例子就是有力的證明。學畫的學子們可以先打好基本功,再選擇走抽象畫這個領域,先掌握好抽象畫面的統合感和秩序感,最後再表現出真正藝術創作所應具備的美感。
畫家幾乎不可能在開創事業生涯初期就決定好,自己想要從事哪種類型的繪畫創作,況且這樣做並不明智。畫家應該取得足夠的知識和訓練,夠資格選擇要走具象繪畫或抽象繪畫時再做決定。有些人認為,畫家在經驗豐富和技巧熟練後,不管是選擇具象繪畫或抽象繪畫,其中一種風格就只是另一種風格淬鍊的成果。因此,畫家必須耐住性子,讓自己的創作依據本身的能力與品味自然發展。
▎美取決於感官
現在,我們到畫廊看畫展時必須理解這一點:許多畫作不是為了銷售而展出,只是為了教育大眾了解藝術新概念而展出。目前,我們還無法判斷這種教育方式的成效如何,我們甚至不知道這樣做值不值得。但是,如果觀眾能記住,由現代畫家創作的這些作品,有許多帶有實驗性質而非理想畫作,那麼觀眾就可能以更開放的態度看待現代藝術。我自己的看法是,唯有本身富含美感、有真才實學的作品,無須前衛畫評家的誇張解說,就能受到世人的肯定,也經得起時間的考驗。當然,人們可以、也應該經由教導而接受新概念,但是歸根究柢來說,美取決於感官,而非理智。
我能提供年輕畫家的最穩當忠告就是:先把繪畫技法學好,持續不斷地探索美,並研究表現美的新方法,強化本身的內在信念,讓個人風格逐漸形成,而且不受任何先入為主的成見影響(例如:別人認為你該怎麼畫),也不被畫評家可能做出的評價所阻礙。
我希望,如果我讓你相信美仍然是、也始終是藝術的泉源,那麼我們現在就能把注意力轉移到美的「成因」。或許誰也無法對美提出一個完整的定義,但我們確實開始了解到,無論在何時或何地發現美,美都是由某些要素所組成。認識這些要素並學習如何將其派上用場,就能讓我們晉身為成功畫家的可能性大增。
美的要素彼此其實密不可分,通常很難逐一區別分析。在討論其中一項要素時,可能必須同時提到另一項或另外幾項要素。儘管如此,我們還是應該抱持審慎態度,設法逐一探討美的要素。
▎美的十二項基本要素
統合感(unity) :這種「一體性」將畫面所有特質結合成單一表現或整體表現,意即將設計、色彩、線條、明暗、質感和主題巧妙安排,結合為一種全面性的表現。
簡潔(simplicity)或清晰(clarity):把跟主要構想無關的所有素材和細節變成次要,將主題簡化為最基本的設計、形式與圖案。
設計(design):意指塊面、形式與色彩的整體關係。畫面就是由設計創造出來的。
比例(proportion):意指畫面中各個主題與各個部分的協調關係。比例失真(distortion)就不協調,不過某些失真或許是合理的,因為畫家可能想要強調某個構想或情感。
色彩(color):這是美的要素中,最有影響力的要素之一,而且在使用這項要素時,畫家不能只以品味和好惡為準則,還必須了解色彩與明度的關係,以及創造寫實與協調效果的基本調色原理。
韻律(rhythm):也可稱為節奏,雖然這項要素常被輕忽或誤解,卻對畫作美感有極大的貢獻。所有生物和非生物都有韻律,從最微小的形體到宇宙的循環無一例外。沒有韻律,形體就靜止不動,也毫無生氣。如同自然界的運作,相近色或線條的重複,或是形狀漸進擴大或縮小,都能為畫作創造韻律。舉例來說,我們可以從樹木本身枝椏和樹葉的重複線條找到韻律,也能從斑馬背上的線條,或花瓣和花朵紋路的線條發現韻律。
形體(form):形體結構與整體的關係是一項基本藝術原理。萬物存在的樣態,不外乎形體或空間的實(solid)與虛(void),而且兩者不可或缺,無法獨自存在。當畫作中的物體形狀經過巧妙地描繪和組合,並與開放區域形成適當的對比,譬如樹與天空形成的對比,就會讓畫作具有「形體」。
質感(texture):意指對於表面的描繪。所有形體都有其表面特徵,這一點就跟本身形體結構一樣重要。以同樣的表面特徵描繪所有形體,就好像所有事物是由同樣的材質組成,這樣當然不可能畫出真正的美。而這正是許多平庸之作常犯的毛病。
明度(value):明度和色彩,兩者密不可分。要畫出美,兩者缺一不可。適當的明度關係能為畫面創造光感並增添統合感。不正確的明度關係就會對畫面美感,造成最大的破壞。
光感(quality of light):這項要素最重要不過,畫作中的光感跟實際照射於畫面上的光線融合,成為整張畫作的一部分。光有許多種,室內光、室外光、陽光、漫射光和反射光。光源必須跟形體的塑造、色彩的性質與明度、以及質感有關。如果畫家沒有真正理解光的原理,畫作就可能只是顏料在畫布(畫紙)上的平面描繪,無法創造出畫面的空間感。
主題的選擇(choose of subject):這項要素提供畫家大好機會,充分發揮個人品味。畫家可以從生活和大自然中,找到數不清的主題,從中挑選、設計和創造出自己專注的主題,展現本身對美的鑑賞力。
技法(technique):意指表現的方式而非表現本身。技法包括對於物體表面和質感的理解,以及對媒材及媒材應用之諸多方法的認識。技法是結合其他美的要素所做的個人表現。
以上針對本書內容所做的概述,應該可以幫助大家對美先建立共識。我當然無意拿自己或個人作品,作為解決畫家問題的好榜樣。但我確實想要強調:「不論是專業畫家或業餘畫家,每位畫家都應該認清自己的職責為何。」我再三強調此事的原因是,藝術創作沒有單一形式或單一公式可言。但是,當我們發現美的構成要素,也知道這些要素能在生活中創造美,那麼我們就可以設法將這些要素分析應用,創作出富含美感的畫作。美並非畫家的特殊資產,就算是不懂美、也無法重新創造美的人,也能發現美。愛好動物者和畫家都能發現動物的韻律和優雅。其中的差別在於,畫家設法以線條和比例的觀點,找出形成這種韻律與優雅的條件,讓本身的描繪能貼近真實並具有說服力。
▎善用創造力與想像力
畫家會盡其所能,努力取悅觀眾,而非取悅畫評家,因為觀眾才是花錢買畫的收藏家。我認為大多數畫家都對銷售個人畫作有興趣。雖然大家都知道,畫家飽受畫商剝削,但畫作的價值通常被畫商炒到天價。而且在大多數情況下,畫家本身根本無法長命百歲,享受畫價飆漲帶來的驚人財富。現在,好的藝術作品不怕沒有好行情,在商業領域和「美術」領域都可以找到好買家。以往,展覽型作品很少從插圖、廣告和其他商業實務中獲得財務報酬。但幸運的是,現在我們邁入的這個階段,最優秀的藝術常被用於商業用途。現在,產業界為美
術作品提供一個新通路。努力讓作品臻至完美的畫家不再像以往那樣,被市場認為高不可攀。雖然商業導向的畫家還必須受制於購買機構或最終使用者制定的條件,但現在這類限制已大幅放寬,展覽型作品也被廣泛應用到許多廣告和宣傳活動中。
在彩色攝影進入商業領域的輔助下,這股發展已經逐漸成形。當廣告產品必須強調準確的細節時,廣告業主自然會改用攝影技巧,而且也可能在某段時間內都這樣做。但是,在並無有形產品可供描繪時,譬如要幫保險、服務、產業聲譽和機構做廣告時,就是美術作品可以一展長才的市場。雜誌插圖繼續為畫家提供一個市場,有部分原因是使用畫作有助於將小說和紀實報導做區別。至於紀實報導,通常就以照片來佐證內文。
畫家試圖精確描繪細節,畫到跟照片一樣逼真,這樣做簡直愚蠢至極。畫家該做的是,善用本身的創造力和想像力,投注心力在設計上。就算畫家使用相機拍攝繪畫題材,還是應全神貫注於相機無法做到的事,比方說:畫家可以將題材某些部分弱化或剔除,進行設計和重新編排,簡化並利用其他手法,更強有力地表達本身的理念。
專業畫家應該竭盡所能透過藝術學院和藝術課程,或從其他可用資源,讓自己接受完整的訓練,為自己的事業生涯做好準備。畫家若是以為不必接受任何訓練,就能靠繪畫維生,那就大錯特錯。事實上,我們經常在畫展中看到一些畫作,既沒有展現畫家的天分、知識或能力,也讓我們確信自己的畫並不差,甚至比展出的畫作更勝一籌。但是,這些狀況跟我在此強調的重點無關。現在,我們在畫展看到的大多數作品,可能都乏人問津,賺不了多少錢。
藝術的進步與發展,始終是由個人進步與發展所推動。個別畫家能對其他畫家的幫助有限,卻能讓世人注意到,畫家經過一段時間的努力,發現哪些事實是有道理的。畫家可以指出自己發現哪些關係是存在的,也可以讓大家知道如何運用色彩調出一定的效果,善用明度能讓主題統合有序。這就是我撰寫本書的宗旨。如果這本書能讓繪畫初學者明白一些繪畫的「方法」和「原因」,那麼我寫這本書的最主要目的也就達成了。